カテゴリー: 西洋近代絵画

オディロン・ルドン
花瓶の花
1910年頃 　パステル・紙　55.0×40.0cm

Odilon Redon
Flowers in a Vase (Fleurs au vase)
c. 1910, pastel on paper, 55.0 × 40.0 cm

｢花がパステルになったのか、パステルが花に変容したのかだれも知らない｣。ルドンのパステル画を、当時の批評家フォンテナスはそう表現している。かつて“黒”を追求していたルドンの画業は、1890年頃から徐々に色彩の追求へと移行していった。｢私は色彩と結婚しました。もうそれなしで過ごすことはできません｣と自ら語るこの転換は制作上の理由ばかりでなく、カミーユとの結婚や自身の病気、少年時代を過ごした荘園ペイルルバードの売却など外的な要因もあった。この頃の手紙で｢私が少しずつ＜黒＞を見捨てているというのは本当です。ここだけの話ですが、それは私をくたくたにさせるのです｣とも述べている。
そうした中で出会ったのがパステルという素材だった。｢私はパステルで、疲れもなしに制作します。それは描くように仕むけてくれるのです｣。ルドンはパステルを用いて花や神話など彩り溢れる世界を展開する。しかし、ルドンの画面から“黒”が消え去ってしまったわけではない。本作でも、色とりどりの花が活けられた花瓶の脇に広がる“黒”が、どの色彩にもまして花の生命を浮かび上がらせている。

“No one knows whether the flowers became pastel or the pastel transformed into flowers.” This is how Fontainas, a critic contemporary to Redon, described his pastel works. Redon, who had once pursued the theme of "black," gradually shifted his focus to the exploration of color around 1890. “I have married color, and I can no longer live without it,” he remarked about this transition. This change was not solely for artistic reasons but was also influenced by external factors, such as his marriage to Camille, his own health issues, and the sale of Peyrelebade, the estate where he spent his youth. In a letter from this period, he admitted, “It’s true that I am gradually abandoning ‘black.’ Just between us, it utterly exhausts me.”
Amid these changes, Redon discovered pastel as a medium. “I work with pastel without fatigue; it urge me to draw,” he wrote. Using pastel, Redon created vibrant worlds filled with flowers and mythological themes. However, this does not mean that "black" vanished entirely from his works. In this piece, too, the “black” surrounding the vase of multicolored flowers intensifies the vitality of the blossoms more than any color ever could.

アルブレヒト・デューラー
《書斎の聖ヒエロニムス》
1514年　エングレーヴィング・紙　24.9×19.2 cm

Albrecht Dürer
Saint Jerome in His Study
Heiliger Hieronymus im Gehäuse
1514, engraving on paper, 24.9 × 19.2 cm

この作品はアルブレヒト・デューラーが制作した銅版画のなかでも最高傑作と呼ばれる三大銅版画のひとつです。僧房のような空間で、書き物をしている聖ヒエロニムスが描かれています。彼は聖書をラテン語へと翻訳したウルガタ訳聖書の翻訳者として、しばしば書斎で書き物をする姿で描かれました。
聖人の手前には、ライオンが寝そべっています。中世の聖人伝説を集めた『黄金伝説』によると、聖ヒエロニムスは、ライオンの足に刺さった棘を抜いて助けたことが記されています。このエピソードから、しばしばライオンはこの聖人の忠実な友として美術作品に登場します。
本作でデューラーの銅版画技術は最高度に達しました。まず遠近法による空間は、この小さな画面の中にかなり奥深い空間を生み出すことに成功しており、線を並べたハッチングに加えて、線を交差させるクロスハッチングによって、幅広い明暗と対象の質感を生み出しました。窓から部屋へと差し込む光は、輪郭線ではなく、途切れ途切れの線を並べて表現され、ガラスを通した柔らかな効果を巧みに表しています。

This work is one of Albrecht Dürer's three greatest engravings, often regarded as the pinnacle of his copperplate. It depicts Saint Jerome engaged in writing within a cloister-like study. Saint Jerome, known for translating the Bible into the Latin Vulgate, is frequently portrayed in art as writing in his study.
In the foreground lies a lion, an attribute commonly associated with the saint. According to The Golden Legend, a collection of medieval hagiographies, Saint Jerome once aided a lion by removing a thorn from its paw. This act of compassion led to the lion being depicted in artworks as the saint's loyal companion.
In this engraving, Dürer achieved the zenith of his technical mastery. The use of perspective creates a remarkably deep spatial effect within the small frame. Through parallel hatching and cross-hatching, Dürer skillfully rendered a wide range of light, shadow, and texture. The light streaming through the window into the room is ingeniously depicted not with solid lines but with broken, parallel strokes, capturing the soft, diffused quality of light filtered through glass.

アルブレヒト・デューラー
アダムとエヴァ
1504年　エングレーヴィング、紙　24.8×19.0 cm

Albrecht Dürer
Adam and Eve
Adam und Eva
1504　Engraving on paper, 24.8 × 19.0 cm

この作品はデューラーによる『旧約聖書』を主題とした銅版画です。アダムとエヴァは「創世記」に登場する最初の人類で、彼らは神に創造され、恥じらいや悲しみを知らず、裸のまま楽園に住んでいました。ある時二人は蛇にそそのかされて、神に禁じられていた「知恵の実」を食べてしまい、楽園から追放されます。本作ではエヴァが蛇から「知恵の実」を受け取り、アダムへと手渡そうとする場面が緊張感をもって描かれています。
背景にいるシカやネコなど多くの動物たちは、それぞれこの場面にかかわるシンボリックな意味をもたされています。デューラーや仲間の人文主義者たちは、こうした一見難解な図像に込められた意味を読み解いたことでしょう。
デューラーは、イタリアへの旅行以来、「理想的な人体のプロポーション」を求めて研究を重ねてきました。この銅版画でも著名な古代彫刻をもとに準備を重ね、構図を練りました。ここでは聖書の物語とともに、古代彫刻から学んだ「理想的な人体像」の実現が目指されています。

This work is a copperplate engraving by Albrecht Dürer that depicts a scene from the Old Testament. Adam and Eve, the first humans created by God according to the Book of Genesis, lived in the Garden of Eden, unaware of shame or sorrow, and were naked. One day, however, they were tempted by the serpent to eat the forbidden “fruit of knowledge,” which led to their expulsion from paradise. In this engraving, Eve is shown taking the fruit from the serpent and offering it to Adam, portraying a moment filled with tension.
The animals in the background, including the deer and cat, are imbued with symbolic meanings tied to the narrative. Dürer and his contemporaries in the humanist movement would have interpreted these seemingly intricate symbols with interest and understanding.
After traveling to Italy, Dürer became deeply engaged in the study of "ideal human proportions," drawing from classical sculptures. For this engraving, he carefully studied and prepared his composition based on famous ancient statues. In this work, Dürer sought to combine the biblical story with his exploration of the "ideal human form," embodying the influence of classical art.

アルベール・マルケ
ルーアンのセーヌ川
1912年　油彩･カンヴァス　59.0×80.0 cm

Albert Marquet
Seine at Rouen
Rouen, quai de Paris, temps gris
1912, oil on canvas, 59.0 × 80.0 cm

この作品は、マルケが滞在したルーアンのホテルで描かれました。ルーアンは古くからセーヌ川を利用した水運の拠点として栄えた街で、マルケはその中でも、特に賑わっていた河岸を描いています。画面を横切るように大きくセーヌ川が配置され、波止場の倉庫街や、対岸で煙を上げる煙突群、人々が行き交うボイエルデュー橋が捉えられています。曇り空からはやわらかな光がセーヌ川に落ち、水面は穏やかな光に満たされています。川には橋の影とともに、橋脚がうっすらと映り込んで、ゆったりとした流れを感じさせます。
マルケのセーヌ川はひかえめな色彩でほとんどモノトーンのようですが、その描写は多彩なニュアンスを感じさせます。

This work was painted by Albert Marquet during his stay at a hotel in Rouen. Rouen, a city that thrived as a hub for river transport along the Seine, is depicted here with a focus on its bustling riverbanks. The large expanse of the Seine dominates the composition, showcasing the warehouse district along the wharves, the smoking chimneys on the opposite shore, and the bustling Boieldieu Bridge filled with people.
Soft light filters through the overcast sky, casting a gentle glow on the Seine, which shimmers with a serene radiance. The bridge’s shadow and faint reflections of its piers are visible on the water, evoking a sense of the river’s steady flow.
Marquet’s depiction of the Seine employs understated colors, almost monochromatic in tone, yet the nuances in his rendering convey a richly textured atmosphere.

ピエール･ボナール
ノルマンディー風景
1925年　油彩、カンヴァス　54.0×47.5cm

Pierre Bonnard
Landscape of Normandy
Paysage de Normandie
1925, Oil on canvas, 54.0 × 47.5 cm

本作の裏には、副題として｢突然の日差し(coup du soleil)｣と記されています。おそらく厚い雲の間から強い日差しが差し込んだ瞬間を捉えたのでしょう。生い茂った緑や草原には光が満ち溢れています。わずかな雲間から日差しが届くそのようすは、異なった色彩を見せる左右の木々や牛にあらわれています。その奥には紫や黄などきらめくような色彩を反映しながら、セーヌ川が流れています。
1912年、ボナールはヴェルノン近郊のセーヌ河岸の斜面に建てられた別荘｢マ･ルロット(私の家馬車)｣を購入しました。そのテラスからは低地を流れるセーヌ川と対岸の町ヴェルノンを望むことができました。ボナールは自宅の庭をあまり整備せず、自然のままにすることを好んだといいます。｢マ･ルロット｣の近くで描かれた本作には、ボナールが好んだノルマンディーのありのままの自然を見出すことができます。

The back of this work bears the subtitle "Sudden Sunshine (coup du soleil)." It likely captures the moment when strong sunlight pierced through thick clouds. The lush greenery and meadow are bathed in light. The sunlight breaking through a small gap in the clouds is reflected in the different colors of the trees and cows on either side. In the background, the Seine River flows, reflecting shimmering colors such as purple and yellow.

In 1912, Bonnard purchased a villa called "Ma Roulotte" ("My Caravan") built on the slopes of the Seine River near Vernon. From its terrace, he could look out over the lowlands of the Seine River and the town of Vernon across the river. It is said that Bonnard preferred to leave his garden mostly untouched, allowing it to remain natural. This work, painted near "Ma Roulotte," reveals the natural beauty of Normandy that Bonnard cherished.

クロード･モネ
藁ぶき屋根の家
1879年　油彩･カンヴァス　48.5×64.5cm

Claude Monet
The Thatched-Roof House
La chaumière
1879, Oil on canvas, 48.5 × 64.5 cm

1878年8月、モネはパリから北西に約70キロ離れたセーヌ川沿いの小村ヴェトゥイユに移り住み、この地で3年余りを過ごしました。その間には妻カミーユが亡くなるなど、ここでの生活はモネの人生でつらく、貧しい時代でもありましたが、この時期に制作された作品の多くがやがて後の連作シリーズを生む糧となります。
本作では全体的に落ち着いた色調の中、筆触分割により前景の草花が鮮やかに咲き乱れ、爽やかな空は力強い筆致で大気の流れをはらんでいます。

In August 1878, Monet moved to the small village of Vétheuil, located about 70 kilometers northwest of Paris along the Seine River, where he spent over three years. During this time, his wife Camille passed away, and the period was one of hardship and poverty in Monet's life. However, many of the works created during this period would later serve as the foundation for his subsequent series of paintings.

In this piece, the overall subdued color palette is contrasted with the vivid blooming of flowers in the foreground, created through brushstroke division, while the fresh sky is depicted with strong brushwork, capturing the flow of the atmosphere.