カテゴリー: 西洋近代絵画

ピエール・ボナール
雨降りのル･カネ風景
1946年　油彩･カンヴァス　51.6×64.6cm

Pierre Bonnard
Landscape of Le Cannet in the Rain
Paysage du Cannet sous la pluie 
1946, Oil on canvas, 51.6 × 64.6 cm

ボナールが晩年を過ごした南仏ル･カネの風景が広がっています。画面中央の人物は傘を差しているのでしょうか、滲むような色彩が雨中の光をあらわしているようです。

ボナールは手帳にデッサンとともに天候を書き留め、自宅のアトリエで油彩画に仕上げました。｢天候の書き入れは、僕に光を思い出させてくれるものだ｣と語っています。

The landscape of Le Cannet in southern France, where Bonnard spent his later years, unfolds. The figure in the center of the painting appears to be holding an umbrella, and the blurred colors seem to represent the light in the rain.

Bonnard would note the weather in his sketchbook along with his drawings and complete the oil paintings in his home studio. He said, 'Recording the weather helps me remember the light.

アンリ・マティス
鏡の前に立つ白いガウンを着た裸婦
1937年　油彩･カンヴァス　46.0×38.0cm

Henri Matisse
Nude in White Dressing Gown Standing in Front of a Mirror
Nu au peignoir blanc debout devant la glace 
1937, Oil on canvas, 46.0 × 38.0 cm

南仏ニースのアトリエが彩り豊かに描き出されています。白いガウンを着た女性は、1932年頃からマティスの制作助手やモデルを務めたロシア人リディア･デレクトルスカヤです。人体の陰影は紫や朱色であらわされ、色彩の中にもヴォリュームを感じさせます。女性が羽織ったガウンは、わずかに緑がかっていることで、赤が主調となる画面で白の印象がさらに際立っています。

女性を写し出す鏡は、画面の奥行複雑にして、空間を倒錯させています。また、鏡の脇に置かれたカンヴァスやイーゼル(カンヴァスを立てる道具)は、この作品を描く画家の存在を垣間見せ、幾重にも重なる不思議な空間を生み出しています。

1951年、戦後初めて日本で開催された｢マチス展｣において本作を見た安井曽太郎は、｢愛らしい、樂しい、美しい小品。人物、鏡、格子模様の背景、のよき連絡｣と評しています。

The atelier in Nice, southern France, is depicted in vibrant colors. The woman in the white dressing gown is Lydia Delectorskaya, a Russian who served as Matisse's assistant and model from around 1932. The shadows on the body are expressed in purple and vermilion, giving a sense of volume within the colors. The gown worn by the woman is slightly greenish, which makes the white stand out even more against the predominantly red background.

The mirror reflecting the woman adds complexity to the depth of the painting, creating a disorienting space. Additionally, the canvas and easel placed beside the mirror offer a glimpse of the artist's presence, creating a mysterious, multi-layered space.

In 1951, when this work was exhibited in Japan for the first time after the war at the 'Matisse Exhibition,' Sotaro Yasui praised it as 'a lovely, delightful, and beautiful small piece. The good connection between the figure, the mirror, and the checkered background.

 

アンリ・マティス
アネリーズの肖像
1944年　コンテ･紙　52.0×39.5cm

Henri Matisse
Portrait of Annelies
Portrait d'Annelies 
1944, Conté on paper, 52.0 × 39.5 cm

ここに描かれた女性は当時モデルを務めたアネリーズ･ネルクです。彼女は柔和な容貌でありながら、その強い眼差しは内に秘めた豊かな精神の広がりを感じさせます。

マティスは肖像画の制作について、｢作品の本質的表現はモデルの姿顔立ちの正確さにではなくて、全くと言っていいほどモデルを前にした芸術家の感情の投射に依存していると私は思う｣と述べています。また、｢表面は多少簡略に見えても、芸術家とそのモデルの内的関係の表現であるヴィジョンが現れてくる。制作中になされた細やかな観察をすべて含んだ素描からまるで池のなかの泡のように内部で発酵したものが湧き出してくるのである｣とも語っています。

The woman depicted here is Annelies Nelck, who served as a model at the time. Despite her gentle appearance, her strong gaze suggests a rich inner spirit.

Regarding the creation of portraits, Matisse stated, 'I believe that the essential expression of a work does not depend on the accuracy of the model's appearance, but almost entirely on the projection of the artist's emotions in front of the model.' He also said, 'Even if the surface appears somewhat simplified, the vision that emerges is an expression of the inner relationship between the artist and the model. From the drawing that includes all the detailed observations made during painting the process, something fermented inside bubbles up like bubbles in a pond.'

アルベール・マルケ
冬のパリ（ポン･ヌフ）
1947年頃　油彩･カンヴァス　61.5×50.0cm

Albert Marquet
Winter in Paris, Pont Neuf
Neige et ciel vert, Paris (Le Pont Neuf)
1947, Oil on canvas, 61.5 × 50.0 cm

雪が降り積もり、薄靄がかかったようなパリの情景が広がります。マルケは若い頃からパリのセーヌ川ほとりにアトリエを構え、その眺めを描き続けました。1931年には、セーヌ川にかかる橋ポン･ヌフ近くの建物5階に引っ越しました。

1946年冬、マルケは病に倒れ、翌年1月に手術を受けます。快復後、マルケは再びパリのアトリエからの眺めを描き始めますが、夏には帰らぬ人となりました。絶筆はアトリエからの雪景色だったといいます。本作には一人の画家が愛し続けたパリの眺めが広がっています。

A snowy and misty scene of Paris unfolds. From a young age, Marquet set up his studio along the banks of the Seine and continued to paint its views. In 1931, he moved to the fifth floor of a building near the Pont Neuf bridge over the Seine.

In the winter of 1946, Marquet fell ill and underwent surgery in January of the following year. After recovering, he began painting the view from his Paris studio again, but he passed away in the summer. It is said that his final work was a snow scene from his studio. This painting captures the view of Paris that the artist loved throughout his life.

アンドレ・ドラン
静物
1912年　木炭･紙　61.0×50.0cm

André Derain
Still Life
Nature morte 
1912, Charcoal on paper, 61.0 × 50.0 cm

テーブルクロスの上に、空の器やタバコ缶、蝋燭台が置かれています。こうした画題は静物画と呼ばれ、西洋では17世紀頃から盛んに描かれてきました。そこにはしばしば寓意的な意味が込められています。火のない蝋燭台は人生の虚しさ（ヴァニタス）を意味し、タバコ（古くはパイプ）や空の器もそうしたことを暗示しました。

ドランはこの頃、キュビスムという前衛的な絵画を展開します。ここではタバコ缶の表面に書かれた｢TABAC｣という文字（平面）とモティーフが生み出す陰影（立体）が対比されています。こうした絵画において、ドランは伝統的なモティーフに現代的な感覚を持ち込むことで、絵画の可能性を探っているかのようです。

On the tablecloth, there are empty vessels, a tobacco tin, and a candlestick. Such subjects are called still lifes, and they have been commonly depicted in Western art since around the 17th century. These often carry allegorical meanings. An unlit candlestick signifies the vanity of life (vanitas), and tobacco (historically pipes) and empty vessels also suggest such themes.

Around this time, Derain was developing an avant-garde style of painting known as Cubism. Here, the word 'TABAC' (a flat surface) written on the tobacco tin contrasts with the shadows (three-dimensional) created by the motifs. In such paintings, Derain seems to be exploring the possibilities of painting by bringing a modern sensibility to traditional motifs.

アンドレ・ドラン
レ・レックの森の中
1922年頃　油彩、カンヴァス　60.0×73.0cm

André Derain
Forest in Les Lecques
Sous-bois aux Lecques 
c. 1922, Oil on canvas, 60.0 × 73.0 cm

1919年に第一次世界大戦の徴兵から戻ったドランは、1921年のイタリア旅行を機に古典芸術に傾倒を深め、造詣の節度と美しい秩序、厳密な構成を重んじた作風へと移行していきました。

本作もまた、厳密な構成に基づく風景画です。画面の下層からは 約15cm四方ずつに区切られた赤い構成線が垣間見え、木々が生み出す主要な造形はそれに基づいて構成されています。中央の木は画面のほぼ中央に配されており、対角線を生かした枝や葉のうねりが画面全体に動きを生み出しています。ほぼ前景と中景のみで構成された絵画空間は、規則的な筆触と強調された明暗で形作られ、キュビスムやセザニスムにおける探求が古典的構成のもとで展開されているといえるでしょう。1920年代、ドランは毎夏を決まって南仏レ･レックとその周辺で過ごし、その風景を数多く描きました。本作もそうした中の1枚です。

After returning from conscription in World War I in 1919, Derain deepened his appreciation for classical art following a trip to Italy in 1921. He transitioned to a style that valued moderation in interpretation, beautiful order, and strict composition.

This work is also a landscape painting based on strict composition. From the lower layer of the canvas, red compositional lines divided into approximately 15 cm squares can be glimpsed, and the main forms created by the trees are structured based on these lines. The central tree is placed almost in the middle of the canvas, and the diagonal branches and leaves create movement throughout the entire composition. The pictorial space, composed almost entirely of the foreground and middle ground, is shaped by regular brushstrokes and emphasized light and shadow, suggesting that the explorations of Cubism and Cézannism are being developed under classical composition. In the 1920s, Derain spent every summer in and around Les Lecques in southern France, painting many landscapes. This work is one of those pieces.

アンドレ・ドラン
フランシス･カルコ夫人の肖像
1923年頃　油彩･板　32.6×26.6cm

André Derain
Portrait of Mrs. Francis Carco
Portrait de Madame Francis Carco
c.1923, Oil on panel, 32.6 × 26.6 cm

本作には、ドランやピカソらとも親交があった小説家フランシス・カルコの妻が描かれています。額を出しすっきりとしたショートカットの夫人の髪型は、肩を出したシンプルなドレスと相まって端正な雰囲気を出しています。

夫人は前髪をかき上げたボーイッシュな髪型をしています。ドレスは、ファッション雑誌『ヴォーグ』にみられるような、スタイリッシュなイブニング・ドレス（夜会用のドレス）です。先進的な芸術家たちと交流のあった人物らしく、モードを取り入れた装いをみせています。

This work depicts the wife of the novelist Francis Carco, who was friends with Derain and Picasso. Her hairstyle, with her forehead exposed and a neat short cut, combined with a simple dress that reveals her shoulders, gives her a refined appearance.

She has a boyish hairstyle with her bangs swept back. The dress is a stylish evening gown, similar to those seen in fashion magazines like Vogue. As someone who interacted with avant-garde artists, she showcases a fashionable attire.